绘画是一种以纸面媒介完成的平面艺术，绘画的历史却是一个画面时空的演变故事。

首先需要说明的是，这里所谓的画面时空是就绘画作品中所描绘形象的存在状态而言的。绘画行为造就了一个独立的绘画世界，这一世界中的形象——不论人物、自然风景动植物、建筑、器物——要对观赏者显现出来形成感性直观，便必须被纳入到一定的时间和空间关系中。

比如一幅最简单的岩画——岩壁上留下的一个手印，我们观赏它时，便需要同时做出两个预设：

只有在上述两个预设同时做出的情况下，我们看到的才是岩壁上的一个手印，而不是视之无物或者把它看作别的什么东西。第一个预设可以称之为时间统一性原则，第二个预设可以称之为空间统一性原则。在绘画鉴赏活动中，观赏者实际上始终自觉不自觉地遵从着这两个原则。

这个例子只是最简单的单一图形画面，涉及的只有手印和岩壁，因此其两大原则很容易说明；在构图更复杂的多形象绘画画面中，要说明这两大原则便要困难一些，以下面的静物画为例。

面对这幅画，观赏者所遵从的原则是：

以上两个原则保证了我们在观赏这幅静物画时都能够正确地将其画面识别为“背景前的桌子——桌上的盘子——盘子里的苹果”，而不是“背景和桌子和盘子和苹果”——我们依据自己的理性赋予画面以一定的时空关系，而不是将画面识别为一些不相干形象的简单拼合。

上述两个原则的使用在绘画观赏者那里是不言而喻、自然而然的事情，那么对于绘画创作者来说又是如何呢？绘画创作者是不是也将自己所描绘的画面形象理所当然地归入同一时空关系中，并要求观赏者亦作如是观？还是绘画者会具有比观赏者更为自觉的画面时空意识？这正是我们从西方绘画史出发所要探讨的。

从上面所举的两个例子可以看出的是，在绘画里，画面时间和画面空间并不能截然分开进行讨论，而且二者地位并不对等。事实上，对于绘画这门瞬时形象艺术来说，时间是无法在其中直接作为一种画面形象留下印迹的（当然，并不绝对如此，我们后面便会讨论到，绘画至少可以留下时间表征）；画面空间则不然，在绘画中一切形象都被安放于一定的空间中。画面时间的统一性可以通过画面空间的统一性体现出来。因此，我们的讨论首先从画面空间开始。

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绘画画面空间的演变最初表现为二维形象和三维形象的交替。

最初的绘画所描绘出的世界是平面的二维形象。史前时代的岩画自然如此，那些在洞穴的墙壁上成群奔跑的羚羊小鹿，往往徒具轮廓。同样，古希腊的绘画——古希腊人似乎更喜欢在器皿上作画——透露出的也是一种线条明晰的白描风格。这些作品和古希腊的文学气质是相通的，它们同奥尔巴赫笔下所赞许的荷马史诗世界一样，直白透明，没有阴影和立体纵深感，仅仅依靠色彩的差异简单地区分作为前景的形象和作为后景的背景。但这样的世界终究只属于一个纯真高贵的时代和一些纯真且无所掩饰的心灵。

对真实的追求让人们试着描绘阴影，通过描绘阴影，他们捕捉到了光线，我们第一次在人物的衣褶间看到了阴影——于是在绘画世界里发生了第一次革命，我们从澄明敞亮均一的二维形象空间走向了光影交织的三维形象空间。不再是简单的前景和背景色的区分，我们在画面中看到了形象及其活动的空间。这大概是在古罗马时期。

此后的**教艺术对光和影并不敏感，整个中世纪对光影的描绘基本停留在古罗马的水平，散点透视下的光影组合并不能够让观者产生很好的空间纵深感。时间到了文艺复兴时期，我们在早期威尼斯画派那里发现了基于焦点透视的柔和光线。绘画中的三维空间以一种更真实、更具现场感的方式出现在我们面前，在这个世界里，光源固定的光线构成了其一部分。我们可以看贝里尼画的圣母像，未知的光源从左上角进入，投射在圣母身上，撒下淡淡的阴影；在画面空间中，圣母子作为前景，与作为后景的城镇风光俯瞰图自然地区分开来——但遗憾的是，我们无法确定画面中作为后景的城镇风光到底是一幅背景画还是真实的窗外景物。前景和后景是分开的，只是我们无法确定二者之间的空间关系——绘画者描绘的是作为城镇风光一部分、坐在城镇制高点的圣母子，还是在一幅城镇风光图前的圣母子？

这种空间关系的含糊不清在文艺复兴时期的绘画中大量存在，比如在著名的《蒙娜丽莎》中便是如此。从这一时期对真实的追求来看，这种含糊应该被归因于画家绘画技巧的缺陷——因为同是贝里尼，在其后期的作品如《众神欢宴》中，我们便看到画家成功地将前景和后景整合为一个统一的画面空间，人物形象被固定在自然形象之中，形成一个整体性的三维形象空间。之后的西方绘画在画面空间方面并没有什么变化，巴洛克、洛可可同样着意描绘一个统一的画面空间，后起的古典主义、写实主义更不必说，它们实现了画面空间的完美统一，画面中的一切形象都被纳入到一个统一的空间中呈现出来，我们可以清晰地辨识这些形象之间的空间关系。

印象主义的诞生似乎是对这样一个三维空间的彻底颠覆。首先，在印象派绘画那里，比如说莫奈的作品里，光线不再是从画面一角的固定光源发出的不可见的、仅仅依靠阴影宣示自身存在的东西，——光线本身成为绘画的主角。它不仅制造灰黑色的阴影，还对绘画物象进行变形，并赋予它们更多变的色彩。这种光线的变化以及它所导致的绘画物象的变化似乎直接将我们重新引回了二维形象，前景和后景的区分被取消了。在印象主义最杰出的作品里，我们感受到的不是可以随时跳脱出画面呈现在你面前的物，而是画面本身——画面中的人和物的三维存在状态不再是画家主要考虑的东西，重要的是画面本身的色调与氛围。在这里，绘画审美是对一个二维形象的直观活动，而不是对一个三维空间的想象补完活动。

这一倾向在之后以塞尚、梵高、高更等为代表的后印象主义中表现得更为明显；尤其像在高更的画中，强烈的色彩对比和粗粝简洁的线条对观者发出立时的视觉冲击，观者毋须经过对其画作的绘画空间重构便先已进入了审美活动中。之后的表现主义、新印象主义、野兽主义皆是同样的效果。这绝对是一场绘画空间的革命。

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画面空间的第三场革命由毕加索引发。他以《亚威农的少女》（1907）为标志所开创的立体主义似乎又促使绘画空间完成了一次从二维形象向三维形象的过渡。在《沃拉尔像》（1910）里，作为二维形象的完整画面已经不复存在，作品空间被三维碎片所填满，观者如果想对作为二维形象的画面形成认识，反而需要求助于大脑中对那些三维碎片的拼贴和组织——在印象主义那里所建立起来的二维形象对三维形象的优先性在这里被颠覆了。但毕加索对于绘画空间演变的意义不仅如此——他的作品的更大意义在于它们跳出了上面我们所讨论的二维形象与三维形象的交替问题，转而把我们引回了讨论的出发点——绘画里的画面空间。

在绘画里存在一个确定的空间吗？在毕加索的中期创作中，这首先倒成了一个问题：

在创作于1937年的《格尔尼卡》中，我们看到了什么？画面顶端中部偏左是一盏灯，灯下横躺着一个受伤的男人，一匹马在回首嘶鸣，一个母亲抱着死去的婴儿仰天悲号，一头沉默的牛。

——这些形象在画面中是什么关系？它们共处一个空间层吗，也就是说，它们同处于那盏灯下，在一间可能存在的房子里？我们暂且如此假定。那么在来看画面的右上方，我们看到一栋顶部着火的楼房，一个仰天惊呼的女人，这似乎是发生的室外的一个场景。在偏左一点的地方，一个女人从窗口探身出来，右手举着蜡烛，一脸惊恐，画面下方，是一个奔跑的女人，——这也是室外场景。于是观赏者被迫发问：画面中的一切究竟发生在哪里，室内还是室外？这一问题是由弗里德里克·詹姆逊提出的，同时他回答，这幅画里突出的就是里和外的对立的不确定性。但其实，在这里已经无所谓里与外的问题，更应该发问的问题是——在这幅画中存在统一的空间吗？这幅画是不是像之前的众多绘画那样，描绘特定空间中存在着的特定形象，并且让空间作为形象的背景存在，让形象与其所在空间之间的关系一目了然确定无疑？

答案是否定的。

在这幅画里不再存在一个统一的让形象得以展现的空间，不再有前景和背景的区分，我们能看到的只是众多形象的叠加——这些形象看似共处一个画面，事实上却属于不同的空间层次。前面我们已经说到，当欣赏一幅绘画的时候，观赏者事实上本能地遵从着空间统一性定律和时间统一性定律，即观赏者会默认绘画画面中出现的形象是共处于一个二维或三维空间中，它们共时存在，并且彼此之间存在某种关联，——观赏者不会将画面中的各个形象看作独立存在、互不关联的东西。比如在毕加索这幅《格尔尼卡》里，我们便愿意像詹姆逊一样相信这些哀号的人和马的形象应该共存于一个空间里，不管是在室内还是室外。这种约定俗成的空间统一性原则在毕加索这里被打破了。毕加索让我们看到了分属不同层次的空间被并置在同一幅画面里时的效果。

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现在让我们转头来看画面时间问题。画面时间问题远不及画面空间问题复杂。事实上，从绘画诞生之初开始，绘画中画面形象的共时性似乎就是一个不言而喻的规定。

比如说有一幅绘画，我们在画面右侧看到一个小孩，在画面左侧看到一个苹果，此外空无一物——如果这两个形象要成为一幅绘画的组成部分，那么不言而喻，这个男孩形象和苹果形象应该存在于同一个空间中，并且共时存在。也就是说，这幅画在向我们表象出来的时候，我们应该可以设想在男孩和苹果之间存在时空关系——男孩可以看到这个苹果，可以接触到这个苹果，可以吃这个苹果。如果没有这层时空关系，这两个形象便不复构成一个统一的绘画画面了。

不论对于绘画创作者还是观赏者而言，画面时间的统一性原则的作用力要比空间统一性原则来得更为稳定。因此，尽管如我们上面所分析的，西方绘画画面空间的历史经历了三次大的转变，但就画面时间而言则无所改变；画家和观赏者还是愿意相信呈现在一个绘画画面中的所有形象是共时存在的。即使如毕加索的《格尔尼卡》那样的惊世骇俗之作，我们还是可以将其中不同空间层的形象视之为是共时存在的——它们共同定格于轰炸中的某一时刻。对于画面时间而言，真正的转变只有一次，并且转变的目的只有一个——在绘画的定格画面上呈现流动的、多层次的时间。

我不知道应该把这样一种画面时间观念的转变定格在哪个时间点。在同一画面中呈现不同时间，这种绘画技法的历史似乎很早——在有些西方宗教画中我们可以看到画家怎么在同一尺幅中画出从耶稣出生到耶稣受难、复活的完整场景，在东方佛教绘画中也有类似画法。在中国传统山水画中有一类寻仙访友图也是类似的画法，从画面底部向上可以依次呈现访客途中、叫门、入门、相见等诸多场景。在西方近现代绘画中将这类手法——简单言之，就是将时间进程以空间变换组合的方式呈现出来——运用到极致的同样是毕加索，他那些著名的女人像的面部切分效果，便是这种将时间进程以空间组合的方式呈现的产物；但这一手法并不是绘画传统用以呈现时间时的主流做法。画家在画面中究竟是如何处理时间的？他如何让时间在画面中显现出来？

我能想到的例子来自巴拉和杜尚：

这两幅作品都着意在定格的画面中捕捉事物的动态，尤其是杜尚的《下楼梯的**》，更是试图在统一的画面空间中表现与定格的楼梯非共时存在的人的形象，在这幅画里，画面形象之间的时间统一性原则被突破。但是，正如我们在前面所暗示的那样，在绘画中时间无法作为一种形象进入画面，无论是巴拉还是杜尚，他们所捕捉到的事物的动态痕迹都只能作为一种时间的表征物存在。

我们能否设想一幅同时突破时间统一性原则和空间统一性原则的绘画作品？当然可以。这两大原则的同时失效将仅仅意味着写实绘画传统的终结。

缤纷色彩，线条复杂的插画是怎么画的？

那样底色会泛上来,以避免不小心抹到,建议着色顺序是,穿透能力比较强,色彩对比才不会花哨,分清色块,色块就会显得凌乱。这种画要费一些时间,干了之后再着局部的色。所以着色的时候另外的颜色要尽量留白。大体的步骤可以这样。如果没有赭红色的大背景。预先调好要用的颜色,从中心往四周,就用半透明的临摹纸描出准确的线条,从左往右,着色有年画的风格,正因为背景奠定了基调。

这幅画最大的特点是层次分明,小色块着色从上往下,要看幅面多大了,那就是功夫问题了。最后都干了可以描黑边,这里边层次关系,另外,像蓝色紫色红色这样的色彩,又覆盖一遍别的颜色的话。如果是8k

纸,再描摹到绘画纸上,他有些地方描了黑边用以中和色彩。着色时注意颜色不要叠加,先着基本的大色调背景色,考虑到这幅图有很大面积的背景色。可以用水粉来画出。然后就可以着色了。渐变色彩可以水分多一点两种颜色渲染出效果。一般铅笔稿较乱的话,色彩丰富但不凌乱,首先是设计出铅笔稿、描线笔,另需几只笔头粗细不一的毛笔,学生大概要一周可能更长手工一样能画出,这时候绘画纸出现的是图案轮廓笔痕,穿插关系都要做好,因为你上了底色

如何从零开始绘制线性插画风景？来看高手的设计思路总结！

一直研究线条,就会发现,线条除了表现我们普通日常所见的图标化的个体以外,还可以表现更大更复杂的风景。但是后者会有一定难度,如果线条比较粗的情况下,尤其无法更好去展示细节(比如要表现云朵或者空中漂浮的柳絮等)。当时我有点卡在这个思路上没有进展。

过两天,我突然凭空有了灵感,想到了「简化」这一条路。尝试用简化的方法,虽然看起来粗糙,但又进入到新的层面。我想我们不是要单单造景,而是要传递景色。因此,景色用线和色块的组合,就这样一步步展开。

灵感来源

于是我有了这一组作品大千之镜,这一组作品就是基于粗线+景色的方式来创作,其中重点的表现是「色」(渐变组合)。

提示:

本操作注重设计思维的过程,不涉及到软件的具体详细操作,如果对软件操作生疏的小伙伴,可以移步到这里看看这个简单的快速上手AI的操作视频。

△得到形状的四种方法:拼、减、裁、画

参考照片不等于临摹照片

外景的绘制,需要非常概括化。由于这里我们的规划是把景物画在一个小圆矩形的框内,其实空间是很有限的。因此线条的设置也就要趋于简单。

简化是一个非常重要的思路,你可以用照片开始研究。当然,我在创作的时候,不止借鉴了一张照片,而是把多张照片进行结合参考。

参考照片里的布局、构图、透视然后提炼最基本的形状。

如果有兴趣你可以看下面这支视频:

△灵感怎么来?参考照片的几点技巧

构建基础线条

如果在细节并不累赘的情况下,简化的图案可以采用网格来帮助表达。当然这取决于你的习惯。

STEP01

打开AI,新建一个1600*1600px的文档。在这个文档中画出一个圆角矩形,然后在这个圆角矩形当中谋篇布局。首先用几个线条把最大的基础形勾勒出来。外框线条采用30px,而内部的线条可以稍微减小,变为25px,再细可以变为20px。

线条的粗细设置原则就是让其遵循一定的韵律感,比如都是5的倍数。

图案犹如搭积木那样建立起整个画面。

STEP02

继续以搭积木的逻辑来填满左边建筑群的画面。这时我们要学会跳出「技」的思维层面,这在我的授课经验当中也反复和学生强调:我们并不是在学会如何画这个对象,比如这里我们在绘制小镇风景。我们学会的是背后的创作思维。

这里我引用一段丰子恺在《认识绘画》这本书里的原话:

「图画就同数学和体育一样。人生不一定要画苹果、香蕉、花瓶、茶壶。原不过是借这种研究来训练人的眼睛,使眼睛正确而又敏感,真而又美。」

用在这里,就是通过画小镇、建筑的过程来训练自己对线条造型的能力。而这个能力表现出来就是既符合建筑的外形,又能让它看起来美观自然。

STEP03

继续往下,就是把我们的形状再一次优化。优化形状有两个层面需要注意:

形状衔接是否闭合

整体的形状是否均匀

这是宏观和微观的两个方向。然后再适当调整增删形状。

STEP04

增加细节一般来说是最后一步的框架工作。这时我们又要切换一个角度:刚开始我们把线的作用看作是建立轮廓,这时,需要拿线来当作细节的描绘担当。比如下面用一个苹果作例子,你就能理解了。线的两个作用:勾勒和描绘,在这里就能体现出来。

因此这里增加的细节(窗户、门、波浪、海鸟等)都是发挥线的描绘作用。

到这一步我们的轮廓线就完成了。这时可以将它们扩展外观。

在很多LOGO设计当中,到这一步其实就可以告一段落了,因为大部分扁平风格的LOGO都只需要一个轮廓,色彩可以是一个随机的单色。

色彩框架

建立色彩框架,其实就是找到一种观察色彩的角度。利用两个色彩间的关系演化成一个色彩阵列。在下面这个视频中,你可以了解更多关于色彩阵列。

△色彩阵列:给初学者的色彩框架图

STEP01

依据上面的理论,我获得了这个色彩阵列。我们的色彩就从这里开始。主色确定为蓝色(这从我们的照片里获得了灵感),次色为粉色和薄荷绿。

STEP02

当然,色彩阵列的作用并不是要让我们用上所有的色彩,仍然根据实际的情况去繁化简。在关键的色彩上进行不断的尝试,找到最好的组合。

运用形状生成器工具来进行上色,把主色进行分布。

STEP03

继续运用上次色薄荷绿,这时大家要注意色彩的微妙变化,在单一色彩出现的时候,看起来一切都很完美,一旦加入了第二种颜色情况就开始变复杂了。

这也和我们平时生活是一样的,一个人的时候什么都好,两个人就会出现人际关系。复杂的让人头疼也让人欢喜的关系,就带来了更多的生机和起伏。

我们看到虽然我们运用次色,但也在部分色块上带来了更多的色彩上的变化,这也是有了色彩阵列后可以轻易做到的。

STEP04

第三种色彩是红色,我们可以继续运用在图形中。

STEP05

主要的色彩控制在三种,剩下的色彩可以继续在现有色彩基础上再微调,比如调整色彩的明度或者饱和度来获取更为细腻的变化。

注意在这里的白色的运用。

光影渐变

由于有光,我们才得已看见不同的色彩。根据这个真理,如果要想获得更为丰富的光感,渐变也是一个非常重要的上色要素。

STEP1

在运用渐变前,我的建议就是先做好平涂的工作。平涂是建立整体的色彩均衡,然后再根据光线的情况进行微调。

而且对于渐变,我们需要加以克制,只需要选取其中一种色彩,然后在这个色彩比较窄的范围内进行微调。比如在这里我们将红色用上渐变,使红色产生一些微妙的变化。

STEP2

然后给建筑补上阴影,阴影的出现根据「美且真」的原则来安排。这里可能很多人会问什么是「美且真」原则,下面同样是出自丰子恺的《认识绘画》的一段描述:

图画兼有欣赏与实用两种效果。欣赏是美的,实用是真的,故图画练习必须兼顾「真」和「美」这两个条件。具体地说:譬如描一瓶花,要仔细观察花、叶、瓶的形状、大小、方向、色彩,不使描错。这是「真」方面的功夫。同时又须巧妙地配合,巧妙地布置,使它妥帖。这时「美」方面的功夫。

了解了这个原则,就在练习中去试探画面这两个要素的平衡。

阴影的制作需要注意的是三点:

找到光源

阴影颜色的配置

不必完全写实

这三点可以通过下面这个视频中详细给大家演示:

△线条插画中增加阴影的三步技法

完成后的效果如下:

点状高光

创作最后一步,这里我们增加了一个小细节,也是突然想到的点睛之笔,给画面增加点状高光。

STEP1

在平面构成中,一个点可以是一个圆点,也可以是一个小方块。在这个画面当中,我们就利用白色的小方块来制造画面的高光部分。

增加了点状高光的画面,就会让画面更加活泼。

最终效果:

后记:背后的思路

写这篇文章我整理出了三段视频,通过视频也许会给初学者更多启发。我之前一直纠结在是做视频还是写文章两条路子,本来想文章+视频是最好的方式,各取所需。但是后来操作过程发现两条路没办法并行。只能在文章当中,穿插更多我认为值得展开的部分。

视频作为文章的补充,而文章又作为视频的补充。虽然现在大家都说没时间看文字,视频也更加直接,但是我始终觉得潜心学习的东西,用文字是更易于查询和记录的。视频和文章都无法取代彼此。

60款唯美的风景简笔画教程，寥寥几笔，轻松画出！零基础也能上手

又准备到愉快的周末了

喜欢画画的你,有什么打算呢?

要不要准备

一个本子、一支笔

进行

简单的写生之旅

呢?

有时候不需要多么复杂的笔画

寥寥几笔,就能把沿途风景快速画下

比如,像这样

夜间野外露营时

搭个帐篷,生个火

感受郊外的寂静

有日出、有树木、还有河流

晚上开着车路过郊外

这样的景色,你还记得吗?

你是否幻想过拥有一辆房车

里面可以装下很多东西

开着它去哪里就睡哪里

每次坐车旅行

看着窗外的山和树林划过,十分惬意...

相信每个人都有自己向往的诗和远方

身体与心灵总有一个

想着出发在路上

不管是身体还是心灵

当遇到这些美丽的风景时

就用画笔简单地记录下来吧~

而这些简笔画的作者

也是一个爱旅游的人

他就是插画师:

DavidRollynPowell

他来自

美国

平时他主要的工作除了画插画外

还会到户外设计墙绘、印刷

创作这些极简风格的风景简笔画后

他会把它们画在墙上

用作装饰和像路标一样给人引导

每次到户外工作完后

DavidRollynPowell就会给自己身心放个假

去露营或玩一些**的项目

像攀岩爬山、划船漂流等等

他认为旅游很有意思,不仅能释放

还能增加自己的创作灵感

于是,在玩累后

DavidRollynPowell经常会席地而坐

把沿途看到的用画笔记录下来

有时候来不及画他就会用相机拍下

再好好描绘

这就是DavidRollynPowell拍摄的风景

和创作出来的场景

DavidRollynPowell绘画使用的工具很简单

铅笔、针管笔和马克笔

他给初学者的建议就是

在开始画前,可以先用简笔打稿

再用针管笔或马克笔描绘

最后选择是否上色

DavidRollynPowell这些风景画虽然简单

但还是有视野长短和深度、空间感之分的

在画近景时,他会把事物放大

画远处的景时,就会适当地缩小

从而使人区分视野、空间

这是些简约的风景简笔画

DavidRollynPowell还把它们

印刷在衣服、生活用品上

受到很多人喜爱和抢购

除了风景,常见的一些小物件、动物

通过DavidRollynPowell的设计

也变得简单又时尚

好了,欣赏完DavidRollynPowell

的这些简约作品

接下来,就教大家如何

一步一步画这些简笔风景画

美丽的海景

绘画步骤

1.先画树下的三角形石头再画出整个椰子树

2.画完椰子树后画远处的小山、海浪和海上的三个小船

3.再添加波浪,画天上的大雁,最后上色就完成了

美丽的灯塔

绘画步骤

1.画出半弧的山和山上的塔、塔旁边的绿树

2.再画出塔背后的森林与前面的海平面,画时大家要主要它们的关系哦

3.画出天上的大雁和海上的帆船,最后上色就完成了

富士山和樱花

绘画步骤

1.先画出火山口,再画火山下的丛林

2.画出火山下的樱花和美丽的海平面、天上的白云

3.给海面添加波纹,最后整体的上色

蜿蜒的小溪

绘画步骤

1.画两条曲线作为河流,再画河流两边的小树

2.再画远处的山和白云,再用点点装饰草地

3.画出石头和波纹,最后涂色就完成了

你发现了吗?

这些绘画步骤都是从距离我们中间的事物开始出发

再描绘它们周围上下的事物

其实每个人绘画的习惯不同

大家也可以按照自己的喜好按顺序描绘

金黄的麦田

绘画步骤

小房子

绘画步骤

瀑布

绘画步骤

好啦,学习了这么多画风景简笔画的步骤

相信大家一定学会了

那就在这个周末让自己放松一下

出去画一画吧~