摄影技巧有哪几种

　摄影技巧有哪几种，摄影的时候是有着很多技巧，摄影技术是可以多多学习的，摄像中常常使用变动摄影机的位置或者其机身的位置、或改变焦镜头焦距等方法来获得艺术效果，下面看看摄影技巧有哪几种。

摄影技巧有哪几种1

　 一、使用三角架

　拍摄时必须将相机安装在一个三角架上以防止相机的晃动。尽量的将相机靠近被摄物体，并且注意不要引入不必要的阴影。

　 二、在必要的时候使用反光卡

　使用一个白色的卡片或是用一张铝箔包在卡片上，将光线反射在被摄物体上，以照亮物体上的阴影部分。需要注意的是不要让这张卡片出现在被拍摄范围内。

　 三、使用快门线

　即使你已经将相机安装到了三角支架上，但是如果你在按快门的时候不小心，仍然有可能使相机产生晃动，所以为了避免这种情况的发生，我建议你最好还是使用快门线。

　 四、使用黑色或有色背景

　在拍摄时，当被摄物体的背景为黑色，那么就能够使拍摄出来的图象看起来最清楚。你也可以使用模糊的背景，特别是当被摄物体的色彩很浓的时候。

　 五、调焦轨

　虽然它不是拍摄时的必备品，但是调焦轨却是一个很好的辅助装置可以帮助你拍摄出好的特写镜头。调焦轨能够使相机以非常小的增距沿着X和Y轴线移动，能够精确的控制相机的位置和画面的景深。如果用移动三角支架来达到理想的位置则是非常麻烦的。

　 六、一定要有耐性

　摄影的过程中存在着众多的不确定性的因素，所以有时候一些外在条件的变化也会影响到摄影师的.心情，而此时你最好就是选择换个时间，过一会儿再去拍摄，拍出色彩更加鲜艳的一面。

　 七、运用好构图

　摄影的好坏，武功是否到达一定的境界时，毫无疑问离不开构图。目前在构图的过程中合理的运用好，通过自身的功力去化解一下，才可以拍出有意义的作品。

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　1、推镜头：是把摄像机向要摄影的对象推近或者是使用变焦镜都逐渐的拉长焦距，让观众的视觉感官上有一个移动被摄物的感觉。

　2、拉镜头：拉镜头又与推镜头相反，在画面上，观众会感觉到摄影物远离的感觉，并逐渐扩展视野范围。

　3、摇镜头：此种技巧，是保持摄影机位置不变，再通过机身的上、下、左、右、旋转等运动，让画面出现动态构图，产生巡视、环视周围环境事物、揭示动态中的人物内心世界、烘托情绪的艺术效果。

　4、移动镜头：可称为移动摄影，将摄像机放在可以移动的车辆或者是升降机中，对被摄影的物体全方位的摄影其画面。

　在拍摄中对于景的区别还可以分为五种，分别为远景、近景、特写、全景、中景，这几种摄影景别的方式拍摄出来的物体是有着不一样的视觉效果，可以给观众呈现出不一样的画面感。

　在学习摄影的时候，需要学习的东西比较多，里面的技巧知识点丰富，在学习的过程中，学者需要细心的去学习研究，掌握好每一个技巧，提高自己的摄影技术，通过反复的练习，熟悉每个技巧的应用。

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　 1、拍摄时放大

　在图像中添加运动感的一种方法是在拍摄时放大镜头，以使相机保持静止。当平移在中放置垂直运动时，缩放会创建动态 3D 效果。当您将变焦与慢速同步闪光结合使用时，您会获得非常显着的效果。

　 2、移动你的相机

　您可能已经被告知要获得真正清晰的图像，您需要在拍摄时保持相机静止，我不想对此提出异议。但有时你想要的是与与众不同的结果。 您可以通过在拍摄时移动相机来为您的照片添加动感。为了达到这个效果，你可以平移、旋转，甚至扔你的相机。

　 3、把相机放在地上

　从这个低角度捕捉您的主题将为您的拍摄带来全新的维度。您可以从一个新的角度查看您的图像。您还可以捕捉到一个有趣的前景，甚至可能是沿途的一两个令人惊讶的物体。

　小贴士：在这里，您可以将相机连接到三脚架，您可以从高处捕捉物体，也可以在您无法看到的场景中进行相同的操作。

　 4、调整好曝光

　调整快门速度以过度曝光，您可以获得明亮、烧焦的图像。 如果您要拍摄彩色物体，请使用此技术，因为它会在明亮、烧焦的背景上为您提供图像。如果您在环境光的低光下拍摄并且您想用闪光灯照亮的对象，这种技术是您最好的选择。

　 5、尝试多次曝光

　并非所有相机都能够进行多重曝光，但如果你这样做了，你可以获得一些非凡的效果。从稍微不同的角度和焦距拍摄同一场景的照片。这对于重复出现的模式特别有效。如果您的相机没有多重曝光，您可以在 Photoshop 中实现相同的效果。

　 6、改变白平衡

　通过使用不同的白平衡设置，您可以将各种颜色转换为图像。白平衡设置旨在补偿不同类型的照明情况，您可以通过试验这些图像来加热或冷却图像。

　以上介绍了6种摄影技巧，希望对你有所帮助。如果您有其他技巧或照片，请与我们分享。 欢迎关注，一起来摄影学习之旅。

　 测光原理

　早期的相机都没有测光系统，需要摄影师根据对拍摄现场光线的估计，来选择光圈系数和快门开启时间。这种方法需要摄影师有一定的实践经验，根据不同的光线。

　合适的曝光参数——不同的光圈和快门的组合。而且还要事先想到，是根据景深范围先选择光圈，还是根据被摄体的运动状态，先选择快门，操作起来是比较麻烦的。单凭人的眼睛来估计曝光参数，误差可能是很大的。再者自然界的光线往往变化得非常快。当您选好曝光参数后，在按快门的瞬间，光线有可能已经发生变化了，

　所以当时拍摄的成功率不可能很高。好在那个时代，人们主要是拍摄黑白照片。黑白胶卷有较大的宽容度，允许较大的曝光误差。而且在照片后期制作时，还可以进行校正。随着彩色胶卷的普及，对相机测光系统的要求也是越来越高。

　彩色胶卷的宽容度比较小，彩色反转片的宽容度更小，这就要求曝光更为准确。因为曝光的失误，会严重影响照片的色彩还原。用人眼估计曝光参数的方法，也就显得太落后了，也难以满足彩色胶卷达到曝光准确的要求。

　为了提高拍摄的成功率和彩色摄影的需要，手持测光表便应运而生了。使用测光表，虽然可以较为精确地得到正确曝光所需的光圈和快门的曝光组合。但是手持测光表的检测范围，和相机所使用的镜头的视角不见得一样，尤其是对可更换镜头的单反相机。因此，测光值也会有一定的误差。另外使用测光表测光后，还要用手来调整光圈和快门，整个操作过程比较长，

　拍摄的效率是很低的。直到1962年，在日本的宾得35mm单反相机上，首次实现内测光的方式。内测光也称TTL测光，这是Through The Lens三个英文字的字头，其意为通过镜头的测光方式。也就是将测光表安装在相机的内部，检测的光线是通过相机的镜头，才达到测光系统的测光元件。是单反相机内测光的示意图，A、B两点就是通常测光元件安装的位置。

　检测的光线是通过镜头达到测光系统的，和达到胶片表面的光线是基本相同的，所以内测光系统可以得到准确的测光值。而且这样一来，不管相机更换什么镜头，测光系统总是检测通过镜头射入的光线，不会存在测光表和镜头的视角不同的问题了。

　 导语 ：风光摄影，只有真正深入进去，并且怀着严谨的、不功利、不浮躁的心态去拍摄，才能真正体会到其中的奥妙。下面我就来详细说说风光摄影。

　我自从学习风光摄影以来，积累了一些心得体会，进而把它们汇集成了对六个问题的思考?

　命题一、为什么选择风光摄影?风光摄影的意义到底何在?

　这个命题对于我自己而言，就是为什么优先选择风光摄影，而不是其他题材的摄影的问题。其实，选择任何摄影题材都是有道理的。只有不好的作品，没有不好的题材。我在开始学习摄影之初，曾经尝试过人像摄影，但是最终没有找到感觉以及持续拍摄下去的动力。

　在无法出远门去拍摄风光的日子里，我也尝试过拍摄人文作品、观念作品。今后我还将投入很大精力去拍摄人文题材，但是到目前为止，我自己真正感到?有感觉?的领域还是风光摄影。

　于是乎，是否?有感觉?，就成了我优先选择摄影题材的标准。当然，暗含的前提是最好尽量尝试各种不同的题材，这样才有比较、才能知道自己真正喜欢什么题材。事实上，最终我们不可能什么题材都喜欢、并且都去做同样的投入，每个人一定会有所侧重的。

　之所以优先选择风光摄影作为长期的个人爱好，我还给自己找到了这样的辅助 理由 ：

　拍摄风光，可以顺带享受山水野趣;

　拍摄风光，要背着几十斤重的器材爬山涉水，顺便就起到了健身的作用。

　对于什么是?有感觉?，我自己是这样来 判断 的：

　 我是否拥有了拍摄这类题材必备的器材和拍摄技能 ?

　我是否掌握了对这个领域的作品的普遍性评价标准和评价方法?

　我是否在这个领域研究了足够多的代表性作品，从而对于自己的作品能否跨入公众及专业圈认可的最低门槛有所判断?

　我是否能从拍摄这类题材的过程中获得金钱以外的收获?

　我是否确定，即使将来得不到任何经济回报，我仍然会长期地、甚至默默无闻地投入到这类题材的拍摄?

　命题二、风光摄影要跨越哪几个阶段?

　我把风光摄影分为三个阶段：

　第一阶段：掌握必备的关键技能

　在这个阶段，重点是配备自己需要的器材系统、能够按照自己的意图去曝光、获得清晰的照片、学会使用必要的滤镜、掌握必要的处理技能。

　第二阶段：学会看图

　在这个阶段，学会用专业的角度来审视和评判作品，并且自觉地运用这些标准来指导自己的拍摄。

　第三阶段：像**那样去拍摄

　这个阶段最漫长，并且没有终点?除非你中途放弃。进入这个阶段后，要树立自己的摄影理想，确立自己的摄影理念，明确自己的摄影目标，制订切实可行的阶段性拍摄计划，并且持之以恒地去努力达成各阶段的目标。

　命题三、风光摄影要掌握哪些必备的关键技能?

　结合自己的拍摄心得，在这里讨论风光摄影中的几个我认为关键的环节。

　1、曝光：由准确到正确

　多数情况下我测光的手法是：

　先锁定构图;

　先后点测画面中有细节的最高光处、有细节的最暗处曝光值，分别储存;

　观察两个值之间的差值;

　如果差值没超过胶卷的宽容度(通常反转片是5档，黑白片是7档)，那就取其平均值，以这个平均值来曝光，多数情况下是?准确?的;

　而要想获得?正确?的曝光，就要根据主体受光情况、构图中暗部和亮部面积各占的比例大小来对平均值进行微调。通常，主体处在暗处、或画面中暗部面积 居多，就要适当增加曝光(1/3至1/2档);反之亦然(1/3至1档)。要注意的是，这个补偿的方向是与用机内多区测光的情况下相反的，因为后者在测光 时已经计算了面积因素。

　如果超过了胶卷的宽容度，就要看是否能用渐变灰镜压低亮部从而降低光比，否则就只能在亮部和暗部之间进行取舍了，这取决于死白和死黑之中哪个部分的存在不影响作品的创作意图。

　2、如何获得清晰的画面

　准确对焦，必要时手动对焦;

　风光作品很多情况下要求全程清晰，所以镜头的焦距越短、所用的光圈越小，就越有助于获得大景深，画面看起来就越清晰。使用大画幅技术相机，在这方 面优势更大。但有一种说法是：最小的一档光圈下画质会下降，所以我在谋求最大景深时，往往用倒数第二档光圈，比如最小光圈F/32的镜头，我用F/22来 拍摄。

　除非必要建议少用滤镜，慎用多片滤镜叠加，尤其不建议为了保护镜头一直套着UV镜拍摄;

　尽可能使用遮光罩;

　相机有反光板预升功能者，每次都使用它，不要嫌麻烦;

　坚持使用快门线/快门遥控器，养成带上备份才出门的习惯(有时朋友还能沾你的光);

　经常检查云台与三脚架的连接是否结实，云台和三脚架的工具要带在身边备用;

　选用结实的三脚架。使用时，优先展开口径较粗的管段，不到万不得已不升中轴;

　支三脚架时，选择结实的支点(如果是泥沙地，最好垫之以石块、砖块);

　风大时挡在上风按快门，有车辆通行的话在通过前/后200米开外按快门等等。

　3、适当使用滤镜以获得预期效果

　无论胶片机还是数码机，偏振镜目前还是必备的滤镜。用它可以：

　降低水面反射从而加深水面颜色;

　清晰地拍出水面下的鱼类、石块、枯枝等;

　加深天空的蓝色;

　减轻雾霭对画面的影响;

　消除树叶等非金属物体表面的反光，加深其色彩饱和度。

　对于胶片机来说，渐变灰镜也是必备的，因为现场光比超出胶片宽容度的场合很多，这时如果没有它，就要后悔这趟白来了。

　4、必要的后期处理技术

　目前对于反转片作品来说，后期处理、输出有如下路径和环节：

　路径一：冲洗>>>扫描>>>处理>>>打印输出

　路径二：冲洗>>>直放出图

　首先不管哪个路径，反转片的冲洗环节是非常关键的。有以下不良记录的冲印店应该坚决予以**：

　给底片造成连续划痕的;

　冲洗不同厂家的胶片之间不按规定更换药液，导致胶片变色或变质的(很遗憾，这方面如果不吃亏是无法事先认定的，建议入门者多请教资深摄影人士)。

　5、器材选择/胶片还是数码

　器材选择方面，我个人更多是希望拍出好作品，器材只是我的工具而已，所以我从不拘泥于某个品牌。当然，对于有条件、有兴趣的朋友，购买高价的名牌器 材也无可厚非，名牌器材可以给自己增强信心，还有把玩和收藏的价值，何乐而不为呢?然而对于没有这方面需求的朋友来说，也大可不必自惭形秽，好消息是过往 的传世之作基本上很少标明、也很少有人关心它们是什么器材拍摄出来的。

　我的主力系统是两套宾得645机身共用6只镜头(30,35,45-85,120,200,2x)，还有Fotoman617加尼康 SW90/4.5，除617机身外都是淘来的二手货。我之所以选择宾得645作为风光摄影的主力系统，是觉得它在画幅大小、系统配套、便携性、性价比方面 取得了完美的平衡。

　命题四、如何去看图?

　无论是欣赏别人的作品，还是自己去拍摄作品，又或者审视自己的作品，我都要求自己从四个维度来衡量它：立意、构图、用光和色彩。可能还会有一些不同的说法，但是本质上几乎都可以归结到这四大方向。

　1、立意

　我理解的立意的涵义就是，在决定开始拍摄一幅作品前，无论这个时间多长或多短，作者必须部分或者全部地明确：

　这个场景里到底是什么东西/元素打动了我?

　核心元素是什么?不可或缺的辅助元素是什么?

　我得到了什么样的感受?

　这个直观感受是否能升华为某个视觉主题?

　别人会对这样的主题感兴趣吗?

　如果我决定记录并且传递这个主题，这个场景足够表达吗?

　这里面包含了一个自我验证的过程。你可以允许部分人在一段时期对你的作品有不同的理解，但是你不能让所有人永远不理解它。

　这里，举一个拍摄海景的例子来说明一下过程。

　一次，我和深圳的两位老友约定去大鹏半岛拍摄海景，顺便用我购入达半年之久而一直没有时间试机的617相机来拍摄它的?处女作?。整个过程如下：

　拍摄主题的设计：我确定营造一幅?缥缈的、仙风道骨的礁石海景?;

　实现途径的确定：这样的效果，只有通过对礁石、海浪的长时间曝光才能产生;

　天气、拍摄地的选择：选择有日出的晴天，大鹏半岛面向东边突出的海滩，拍摄前夜在当地住宿，提前熟悉地形、到达拍摄点的路线路况等;

　拍摄时间的安排：该季节日出约在5:50-6:00之间，海边天空露白较早。以此反推，要求在5点15分之前架设好相机、完成拍摄准备;住宿地到 拍摄点附近的海滩要在黑暗中沿着海边崎岖的礁石路段行走约30分钟(包括选定拍摄点)，于是最终确定4:00起床、4:40左右出门;

　实际拍摄过程：我从5:15分开始，先以F/8、16min的组合拍摄了第一张，接着，在太阳已经跃出水面的情况下，我又应景拍摄了几张。其中一张暖调的作品是F/22、1/8sec的组合;

　作品：结果是几天之后冲洗出来才看到的。作为试机片，自己感觉还算过得去。长时间曝光的那张，基本上达到了自己预期的效果。因此，我理所当然地把 这张作品看成是自己这次采风的?创作?产品，而这次应景拍摄的其他片子，则是我的?记录?产品、是附带成果。从拍摄意图来说，它们在我心目中的定位是截然 不同的。

　扫描是用滚筒扫描仪、300dpi扫成50MB的TIF文件，长边约6400pix。说一句题外话，等待看到自己的胶卷冲洗出来那个过程中的期待感，也是使用胶片机的乐趣源泉之一。

　2、构图

　构图技法方面已经有很多专著了，无需我赘言。我在这里分享一些实际拍摄过程中积累的`感想：

　在立意过程中养成上述思考习惯，将极大地有利于帮助构图。比如，分清场景中的核心元素和辅助元素，就能帮助我们顺利地提炼出主体、陪体。实际上，很多情况下立意与构图是同步或穿**行的;

　主体(兴趣中心)的位置必须突出。可以放在?黄金分割?的交点上，也可以放在画面正中或其他位置，完全视创作意图而定。

　只保留必要的陪体，使得画面简洁、有序;

　要注重画面的整体平衡感。当然，某些主题需要特意营造某种不平衡感，则不在此列;

　善于运用前后景、景深以及将观者的视线导向主体的视觉引导线等元素，营造画面的立体感。前景有时还能起到很好的平衡画面的作用;

　构图不要太满，风光摄影多数情况下画面要有留白;

　留意水平线在画面中的位置高低，以及是否处在水平状态;

　自己认为好的场景，我通常会横、竖构图各拍至少一张，以备不同用途;

　我从一开始就要求自己严谨构图，从不采取随意拍摄、后期再来做裁切出品的方式。因为，我希望能够直接用观片器或者幻灯机来和朋友分享自己的?成 品无论它们水平高低，它们至少不是?半成品?。我不希望此时心有不甘而又满脸尴尬地向别人解释：?这张片子，其实如果你把它裁掉这些部分来看?还 是可取的吧?

　3、用光

　光影或影调效果好的作品，大多是有迹可循的：

　善用早晚光线，营造低色温、底反差的画面，比如早晚霞、长时间曝光作品;

　善用逆光或侧逆光，勾勒景物轮廓或制造剪影效果，增强画面的立体感;

　善用侧光在非平滑物体表面造成的明暗差异，凸显物体的质感;

　善用逆光凸显红叶、黄叶的色彩明度、饱和度以及树叶质感;

　借用穿过云层或物体缝隙的集束光对主体的照射，得到类似舞台灯光的效果。比如西部高原的小村寨，常常能遇到光线照亮了村落、而四周的山体和田野则隐在云层遮盖下的暗影里这样的场景;

　巧用物体在水面的倒影;

　用慢门或减光镜延长曝光时间，使得移动的物件产生拖尾效果、水流成绸缎状、浪花成云雾状、快速移动的云层模糊化、夜里的车灯形成光带?等等。

　以上这些用光技巧，不外乎是在光线的色温(色彩)、方向(入射角度、直射/折射/反射)、强度、光通量、照射范围等方面做文章。

　4、色彩

　拍摄彩色照片的情况下，作品的色彩构成是又一大评价维度。评价色彩构成时，有两种截然不同的评价方向。

　一说是，有强烈对比色的画面更引人?注目?。对比色通常是指互补色，比如青与红、品与绿、黄与蓝。每一对互补色混合后均会消色(即得到白色)。

　另一说是：色彩和谐的画面更?悦目?。色彩和谐，通常指画面包含的色彩在颜色(即色彩种类)、纯度(指鲜艳程度)和明度(指处在白-灰-黑之间哪个位置)三种属性各自相近的情况：

　颜色相近。比如，同样是红色系的两种颜色，易于和谐;

　纯度相近。比如，两种中等纯度的颜色，比一高纯度和一低纯度更和谐;

　明度相近。比如，两种淡色，比一淡和一浓更和谐。

　此外，一些心理因素会影响人们对于色彩的感知。比如，

　色彩面积的大小、形状和分布;

　各种色彩组合，当被看成抽象的形状、或看成可辨认物体的表现时;

　观看者的年龄、受艺术教育程度;

　长时间观看会产生适应性效应，从而混淆对色彩组合的吸引力的感觉;

　广告会引导人们对于色彩组合是否符合潮流的判断，等等。

　黑白照片的情况下，三个颜色属性只剩下一个：明度。它和细节是否丰富(尤其是亮部或暗部的细节)、层次/过渡是否细腻、反差大小都有关。

　上述四个基本要素中，那个要素最能体现作者的专业水准呢?

　立意：这是美学、哲学层面的问题，与作者和欣赏者各自的艺术修为有关，没有硬性的标准可言，所以可以先放到一边;

　用光：有明显的高光/暗部溢出的作品(某些特殊需要除外)，当然不在我们讨论的范围内;

　色彩：基本上参见?立意?，只要搭配别太俗都可以。

　所以，我的看法是：构图水平是区别?专业水准?还是?业余水准?的分水岭。当然，我这里说的?专业?、?业余?指水准而言，与职业无关。

　一张片子，哪怕场景再好、光线和色彩再漂亮，如果构图上有硬伤的话，它终究还是?业余水准?的作品。

　命题五、如何像**一样去拍摄?

　我个人来说，我从不迷信**，但是我敬畏**。

　所以，有志于成为**，绝不是什么见不得人的事，而是一个社会有希望的表现。当然，那些空怀壮志却从不付诸行动者、或者偶尔被别人喊一声?**?就忘乎所以者，则不在此列。

　真正对摄影有追求的人，即使成不了**，也应该像**那样去拍摄。我们不能确定自己能成为什么，但是我们能确定自己想做什么和怎么去做。

　1、起点：用**的标准来要求自己

　何为摄影**的标准?我的理解就是：从思维到手法。换句话说，要像**那样去思考、去行动。

　要了解**们的思维，我特别推荐精读Frank Horvat所著《摄影**对话录》，出版社还有少量库存。

　手法方面的书就数不胜数了，建议多看国内外摄影师的著书和画册。

　光阅读还不行，还要把它变成自己的东西，去实践。

　2、终点：确立自己的拍摄目标

　但凡能成为**者，无不有自己的摄影理想?自己想在摄影领域做到什么、摄影在自己的生活中将占到什么地位?也都有自己的摄影理念?拍什么、不拍什么、如何观察事物、如何拍出自己的特色?还有自己的拍摄目标?拍摄哪些主题?如何去实现?

　确立了阶段性的拍摄目标，就要把它落实成具体的拍摄计划。拍摄计划必须具体，有明确的时间表，有现实的可操作性。

　3、中途：持之以恒地去努力

　起点和终点都明确后，剩下的就是付诸行动了。

　对多数有摄影追求的业余人士最大的挑战就是：摄影和生计如何取得平衡?这其中的取舍，才是真正的考验。

　命题六、拍来做什么?

　对这个问题的回答，会影响到自己的拍摄行为。通常会有三种类型的选择：

　完全以摄影为生计。这条路目前在国内还比较艰辛。有名气的职业摄影师们主要的收入来源还是讲座、带团外拍和出书。商业库对纯风光作品的需求量比之商业摄影素材要少很多。

　自娱自乐，完全不考虑作品的商业收入;

　潜心拍摄，但不放弃争取商业回报的努力。

　任何一条路都有人走得通。摄影人都会面临这个选择，不能假装这个问题不存在，也不应该频繁地来回摇摆。