您好，让我来回答您的问题，为您解答疑惑。首先，您说立体感不是很强，那就是因为您的几何结构没有掌握好，我到有个很好的建议，您不妨试试：在每次画调子之前，千万不要急着画调子，宁可在画结构时多花一些时间，也不要没话好结构就画调子，否则，越到后面麻烦就越凸显了出来，到最后，这幅画就没救了。如果是画真人素描时，不妨先把整个人先画好，然后仔细和真人进行对比，查找不足，然后在画调子，画人脸时，先用铅笔在上面轻轻划一下，在用手抹一下，立体感就出来了。到最后，还是功夫的问题，功到自然成，如果您觉得我说的好的话就给我满分吧！！

以线为主要描绘方式的单色画。作为研究和再现物象的一种方式，素描是一切造型艺术的基础，同时是训练造型能力的基本手段。创作意义上的素描作品则具有独立的审美价值。素描使用的工具非常广泛，包括铅笔、炭条、钢笔、毛笔、色粉笔、石笔、金属笔、芦杆笔等。

　构、动态、空间关绘画的平面多为纸面，也包括羊皮纸、布料、木头、金属、陶瓷乃至墙面、 玻 璃、沙面等。素描的题材有肖像、静物、风景、人物及非具象的点、线、面的组合等。

　素描的概念虽源于西方绘画体系，但从单色画的角度而论,中国画的白描、水墨画亦属素描的一种形式,它们都具有一般素描的各种基本功能。在20世纪的中国，素描主要是作为美术教学的基本功训练手段，它以锻炼整体地观察和表现对象的形体、结系(包括明暗、透视关系等)的能力为主要目的。

　素描是人类造型艺术活动中最早的、最基本的形式。原始人的岩洞壁画就其造型功能远胜于色彩功能这一点来说，即是一种广义的素描。用单色线条表现对象的外形，是人类视觉文化进步的一个标志，因为它必须将有色的、立体的对象抽象为单色的、平面的线条，实际上就是在平面上重新构造对象。在西方，直至中世纪以前，素描基本上是以草图的形式出现，处在从属于壁画等画种的地位。

　素描成为独立的艺术形式是从14世纪末开始的。起初是在意大利以习作、临 摹 作品、速写的形式出现，开始逐步体现出画家的个性。到15世纪,阿尔卑斯山以北的国家产生了严密、细部精确的素描风格。而文艺复兴时代的北意大利画家则注重速写和习作，作品具有描绘比较自由和概括的特征，中意大利画家则更多地用肯定的线条勾描轮廓，此时素描开始成为工场授徒的教学手段，L.达?芬奇、拉斐尔、米开朗琪罗是意大利文艺复兴时代卓有成就的素描**。德国画家A.丢勒精于各种素描技巧，在版画中甚至可以明显地见到他运用清晰的线描方式作画的特点。16世纪德国画家H.荷尔拜因严谨、扎实的素描风格影响了德国、英国、法国、荷兰等国画家。

　P.勃鲁盖尔则直接继承了丢勒的风格。17世纪意大利的卡拉奇兄弟创办的美术学院将风景素描推到了一个高峰。法国画家克洛德?洛兰更以其富于抒情意味和理想化的风景素描闻名，A.瓦托则为其创作画了大量的人物素描，尤其注重它自身的绘画性。18世纪意大利的`G.B.提埃波罗创造了钢笔加晕染的素描。西班牙画家F.de戈雅则长于?红粉笔-毛笔?素描。从18世纪末到19世纪初，线的重要性重新得到强调，J.-A.-D.安格尔严谨的铅笔素描成为新古典主义素描的典范作品。稍后的E.德拉克洛瓦则画得比较奔放。H.杜米埃更是在光线、气氛、人物性格上有很高成就。印象主义画家如E.德加等人的素描对光、运动和人物动作的韵律有深入的研究。到了20世纪，西方素描的草图功能大大减弱，而逐渐成为完全独立的画种，线条自身的意义被提到很高的地位。P.毕加索的素描抛弃了古典素描的造型观念，使素描成为更加偶发的精神活动的自由发挥